The Buttertones – Gravedigging (Innovative Leisure, 2017)

Mi sono piombati a casa senza che li avessi invitati e si son rapiti le casse del mio povero portatile, obbligandole a suonare per un cazzo di mese intero questa seducente opera da bassifondi nella quale convivono Gun Club, (la funambolica chitarra di)Dick Dale, Birthday Party, Cramps, Sonics e fogne garage rock’n’roll a piacere vostro. Blues con il punk nel culo, psichedelia nera come la pece, rifferama surf in gradevole scioltezza, sax saltellanti o ondeggianti, bordate psychobilly, ballate assassine, e una bella voce blues, tenebrosa e isterica, debitrice dell’ugola del compianto Jeffrey Lee Pierce. Piatto forte e ingredienti ben dosati.

La musica dei Buttertones vive immersa fino al midollo in un’atmosfera cinematografica che richiama alla mente le colonne sonore firmate Morricone o quelle dei film di Tarantino e non degna mai, neanche per scherzo, di uno sguardo compiacente. Alla fine della corsa, la sensazione è quella di aver ascoltato un racconto noir in formato rock’n’roll.

Inutile (e forse pure pericoloso, «metti che volano») mettersi a sondare le ragioni di un disco che si porta addosso le succitate stigmate (ma se volete saperne di più, qui i Nostri spiegano TUTTO); e pure inutile è cercare di intravedere un suo possibile percorso commerciale in un panorama musicale dominato dal pop mainstream in cerca di credibilità indie, sciatto e accomodante. Meglio limitarsi a far scorrere la puntina sugli undici pezzi che compongono Gravedigging e lasciarsi trasportare da questa intrigante e subdola vecchia onda nera. Il viaggio sarà appagante anzichennò.

Potrei pure chiuderla qui, perché di roba buona ce n’è davvero in eccesso e in questi casi è sempre meglio ascoltarla che farsela raccontare, ma volendo segnalare a tutti i costi una manciata di pezzi da spedire nel futuro, direi senza esitare la crampsiana Two-Headed Shark, la murder ballad tarantolata Sadie’s A Sadist, il valzer schizofrenico di Matador e l’appiccicosissimo surf rock oscuro di Tears for Rosie.

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Piatto pesante #1

All Them Witches – Sleeping Through the War (New West): se il precedente era un’opera heavy-folk (si dice? no? sticazzi) caliginosa, oscura e prevalentemente strumentale, questo nuovo lavoro è caldo, heavy, vocale e colorato. È caldo come il blues e il sud degli Stati Uniti, ispirazione prepotente delle otto tracce che lo compongono, e lisergico come un fottuto viaggio heavy lisergico. Ed è la cosa più bella uscita dalla penna e dagli strumenti del quartetto di Nashville.

 

Arbouretum – Song of the Rose (Thrill Jockey): gli Arbouretum fanno quello che tutti si aspettano da loro, ma lo fanno bene. E quindi vale ancora la pena di perdersi, la sera, cullati da queste dolci e rocciose ballate folk rock che profumano di psichedelia (Absolution Song vince su tutte). Che se invece di uscire in primavera fosse uscito in pieno inverno, avrei potuto anche farmici seriamente del male.

 

Colour Haze – In Her Garden (Elektrohasch): i Colour Haze non ce la fanno proprio a non evolversi almeno un po’ (e pare che abbiano anche grossi problemi a fare un disco brutto). Ed ecco, allora, che ti tirano fuori un album che funkeggia a ritmi spinti su tappeti heavy-psych un po’ pazzoidi, virati jazz; per niente facile all’ascolto (ce ne vogliono almeno tre o quattro per entrarci in confidenza), ma infine godereccio.

 

Crystal Fairy – Crystal Fairy (Ipecac): potevano fare un capolavoro e invece hanno fatto un discone, questa la grande colpa del supergruppo composto da Dale Crover, Buzz Osbourne (Melvins), Teri Gender Bender (Le Butcherettes) e Omar Rodriguez Lopez (At the Drive-In, Mars Volta). E il grande merito? L’aver fatto un album di alternative rock deviante di tutto rispetto, pesante e schizzato come pochi, tetro e decisamente poco ruffiano.

 

Feral Ohms – Feral Ohms (Silver Current): noise rock acido e tonante, suonato con piglio battagliero à-la MC5 e condito con epica hard rock anni Settanta. L’esordio dei Feral Ohms trasuda energia, furore e una ruvida semplicità stradaiola fatta di riff aggressivi, assolo taglienti e (grezzi) acuti vocali d’altri tempi. Una roba che può rappacificare all’istante col rock’n’roll.

 

Idles – Brutalism (Balley): con tutta probabilità il disco noise rock dell’anno in corso. Un album che riesce a coniugare e far fruttare, a beneficio di un pubblico ansioso in cerca di catarsi, la decadenza post-punk dei Protomartyr, la scimmia dei Jesus Lizard, il sarcasmo tagliente dei Mclusky e la sensibilità pop dei Blur. Brutale e decisamente poco gentile, ma potenzialmente radiofonico (ehm), Brutalism riesce a ritagliarsi un posto d’onore nel pantheon del noise-punk di tutti i tempi e a scavare un solco profondo e fecondo nell’Inghilterra post-Brexit.

 

Pontiak – Dialectic of Ignorance (Thrill Jockey): i fratelli Carney sono diventati produttori di birra dal 2015 con il marchio Pen Druid. Luppolo e malto d’orzo, niente di che, ma qui sembra abbiano esagerato coi funghetti. Limate le asperità heavy, quel che resta è psichedelia da jam session un po’ noiosa e citazionista, nella quale tutto è un po’ sfumato e fluttuante e della quale poco resta, arrivati alla meta.

La gelida cassettina della domenica pomeriggio | #cassettine #loudnotes

È bastata qualche domenica pomeriggio di gennaio di quelle gelide e grigie, tutta divano, decompressione e rock’n’roll, per tornare a compilare le fantastiche cassettine da mettere sul blog. La cassettina in questione, che poi cassettina non è più essendo stata degradata al rango di misera playlist iutubica (Everyone’s Myxtape è ancora online ma tace), contiene i pezzi che più mi hanno scaldato, emozionato e divertito tra quelli usciti in questi primi scampoli di 2017.

C’è un po di punk (una spruzzatina di settantasette e due pizzichi di post), un po’ di psichedelia in diverse salse, noise rock, garare rock e persino un po’ di folk. E qualche scintilla di fiera attitudine “combat” (che nel caso degli Gnod è quasi incendio).

Una bella colonna sonora per questo presente infame bastardo.

Buon ascolto e buona domenica pomeriggio.

Tracklist:

  1. Cyanide Pills – Stop and Search
  2. Ty Segall – Break a Guitar
  3. Gnod – Bodies for Money
  4. Cristal Fairy – Cristal Fairy
  5. The Underground Youth – Amerika
  6. Moon Duo – Cold Fear
  7. Angel Olsen – Fly on Your Wall
  8. Wire – Short Elevated Period
  9. Chavez – The Bully Boys
  10. Meat Wave – The Incessant
  11. The Black Angels – Currency
  12. All Them Witches – Alabaster
  13. Mark Lanegand Band – Nocturne
  14. Julie’s Haircut – Salting Traces
  15. Bill Fay – Shame

The Underground Youth – “Amerika” (video)

tuy-wkodhitIl 15 febbraio uscirà per Fuzz Club What Kind Of Dystopian Hellhole Is This?, l’ottavo album degli Underground Youth.

Complici una serie di opere di pregevole fattura (Delirium, The Perfect Enemy for God e Haunted) e una febbrile attività live, la band di Manchester oggi di stanza a Berlino è diventata in breve tempo uno dei punti di riferimento della scena psych underground europea.

Se amate la psichedelia più fumosa, quella di derivazione shoegaze e dream pop, e se non disdegnate un pizzico di goth-rock, di post-punk e persino di folk, loro sono la band che fa per voi.

Intanto che aspettiamo il nuovo album, possiamo già goderci i due singoli con annessi videoclip che i nostri ci hanno gentilmente regalato via you-fuckin’-tube. Alice, uscito all’inizio dello scorso dicembre, e Amerika, di pochi giorni fa. Li piazzo entrambi qua sotto, in ordine inverso però, ché la mia radio ha scelto Amerika, feroce critica all’impero in decadenza e omaggio al caro Hunter S. Thompson. Un pezzo che entra da subito in connessione con cuore, stomaco e cervello, trascinato da un riff delicato e circolare, sostenuto da una batteria elettronica metronomica e immerso in una pericolosa atmosfera goth. Un pezzo che resta.

Moa Anbessa, ovvero dei miei viaggi con Getatchew Mekuria

getachew-mekuria-the-exIeri, un maledetto 4 aprile qualsiasi, se ne è andato all’età di 81 anni Getatchew Mekuria, grandissimo sassofonista etiope.

Ne so poco di Mekuria, per la verità, però c’è stato un periodo della mia vita (un periodo bello) in cui io e lui siamo stati grandissimi amici: così, quando ho letto della sua morte sulla pagina degli Ex, ho sentito il bisogno fisico di buttar giù due righe. Che non potevano prendere altra forma, rebus sic stantibus, se non quella di una breve storiella sul come e sul perché siamo diventati compagni inseparabili.

Mi imbattei in questo gigante del jazz africano dieci anni fa o giù di lì grazie a Moa Anbessa (Terp, 2006), primo frutto discografico del sodalizio artistico con gli Ex. Probabilmente andò nel modo per me piuttosto classico: ne lessi la recensione da qualche parte, ne fui incuriosito, lo scaricai, lo masterizzai e lo piazzai nel raccoglitore dei CD che tenevo in macchina. Punto. Non avevo ascoltato mai niente di anche lontanamente simile prima di allora, e mai avrei potuto immaginare che mi sarei innamorato di un disco così, un’opera lunghissima (per il sottoscritto un disco di sessanta minuti è lunghissimo, ebbene sì) che mescola post-punk, jazz africano, noise e musica popolare etiope. «Cristo, ma cos’è ‘sta merda?!», avrei risposto a chi mi avesse descritto un album del genere solo pochi anni prima.

getatchew mekuria - moa anbessaE invece andò così, mi rapì subito e lo amai profondamente: il calore e la libertà del sax di Mekuria, la ruvidezza delle chitarre, i sentori africani e quelli punk, la compattezza del suono e la sua leggerezza, la musica che si esalta ad ogni singola nota, tutto era ed è perfetto in quel disco. Persino le imperfezioni. Mi ci tuffai dentro, letteralmente, e ben presto divenne il piacevole compagno dei numerosi (e spesso solitari) viaggi in macchina con i quali, ai tempi, attraversavo il poetico tratto di Cassia che separa San Lorenzo Nuovo da Siena, facendo la spola tra la vita universitaria e qualche fine settimana al paesello.

Lo ascolto sempre molto volentieri, Moa Anbessa, e ogni qual volta partono le note di Ethiopia Hagere, Muiscawi Silt o Tezalegn Yetentu parte anche il filmino dei flashbacks nella mia testa, e mi vedo alla guida della vecchia Rover 200 verde mentre “sfreccio” sulla Cassia all’altezza di Bagno Vignoni o Buonconvento, mezzo stonato dalla musica e dai tranquillanti naturali. Una di quelle volte, un amico che faceva il viaggio con me (Riccardo) riconobbe l’album sfogliando il raccoglitore dei CD e ce lo ascoltammo insieme e fu una cazzo di gioia condividerlo con qualcuno!

[ascoltai ed amai così tanto quel disco che anni dopo, quando conobbi il ragazzo etiope che avrebbe frequentato con me il master in microfinanza a Bruxelles, non trovai niente di meglio da fare, per gettare un ponte e rompere il ghiaccio, che parlargli di Mekuria e di Moa Anbessa. Non aveva la più pallida idea di cosa stessi cianciando, per la cronaca, e ci rimasi come un perfetto coglione]

Fu così che Moa Anbessa divenne, per me, la storia di quei viaggi in quell’anno lì – il 2007, più intenso e generoso di tanti altri (nei miei flashbacks c’è sempre il sole!); ma fu anche, in retrospettiva, la storia di due incontri musicali definitivi. Quello con gli Ex, che avevo ascoltato poco e sempre distrattamente, e che da allora hanno scalato velocemente posizioni, attestandosi belli alti nel gruppo ristretto delle “band della vita”; e quello con il jazz, la cui presenza nei miei ascolti si sarebbe decisamente moltiplicata negli anni a venire. Ed è tutta colpa tua, nonno Getatchew. Mi mancherai.

NERO – Lust Soul (autoproduzione, 2016)

phpThumb_generated_thumbnailjpgLa prima notizia è che NERO è tornato.

«E chi cazzo è NERO?»

Nero è Nero Kane (al secolo Marco Mezzadri), uno che ha attraversato come una fiamma impazzita l’underground milanese dell’ultimo decennio: prima con i Detonators, una punk band col cuore ben piantato nella New York (e nella Cleveland) della seconda metà degli anni ’70; poi con i The Doggs (e Nero & The Doggs a chiudere), band garage rock di chiara impronta stoogesiana (ne scrissi qui, qui e qui).

Conclusa quell’esperienza con una mini-compilation di materiale inedito all’inizio del 2015 (2009/2013 Dangerous Years), Nero Kane ha deciso di dare un taglio al nome sociale e di ripartire con un nuovo progetto: NERO, per l’appunto.

Moniker logorroico come pochi altri, vien da dire dopo aver ascoltato il disco.

La seconda notizia, infatti, è che Lust Soul segna una virata decisa verso suoni sintetici e atmosfere dark e gotiche, à la Sisters of Mercy, Bauhaus e compagnia bella; una virata che si porta dietro perversione e voglia di graffiare (che affondano le radici nel proto-punk degli Stooges così come nella neo-psichedelia in salsa garage degli Spacemen 3), ma le lascia a marcire sotto una coltre di effetti da elettronica minimale.

NERO - 3La chitarra secerne ancora pericolose scintille ashetoniane (No Sense of Crime, Bleeding, e soprattutto Over My Dead Body), ma sono i synth, la batteria elettronica e la voce di NERO, che si è fatta più evocativa e suadente che in passato, a fare l’atmosfera disegnando quadretti oscuri, freddi e decadenti.

Ciò che stupisce positivamente è la capacità di far convivere mondi troppo spesso mantenuti a inutile distanza di sicurezza. Come i Joy Division morsi dal verme del rock’n’roll che saltano fuori da I’m The Sin, o la bella ballata sintetica e minimale In My Town, che mischia sapientemente il Lou Reed di Berlin con lo shoegaze e il rock gotico. O ancora Bleeding, con un passo quasi doom, una chitarra satura, tagliente e spaziale a fendere l’aria e le dolci incursioni di piano che ne ammorbidiscono i toni; Over My Dead Body, dove gli Stooges vanno a braccetto con l’elettronica, e infine Spirits, un bel mantra psichedelico dal gusto gotico.

Non tutto è riuscito bene. L’apertura ad esempio, affidata a Death In June, un pezzo così rarefatto da risultare pressoché impalpabile (e che al limite sarebbe andato bene in chiusura); la loureeediana Old Demons, che avrebbe meritato altro trattamento in sede di arrangiamento (qui la batteria elettronica e i synth sono veramente di troppo); o l’aggressione lirica di Bitch, alla quale manca una sana irruenza rock e un testo decente per riuscire nell’assalto e lasciare qualche ferita. E, infine, quelle movenze vocali da Iguana, che forse stonano un po’ nell’economia di questa nuova fase.

Buttate giù le ultime note di Tomorrow Never Comes, l’impressione che rimane è quella di un disco che non riesce a dare tutto ciò che promette, rimanendo invischiato tanto negli eccessi del vecchio rock stoogesiano che in quelli del nuovo synth rock gotico, senza riuscire (se non a tratti) a fondere le due anime e regalare un che di veramente eccitante. Che sta proprio lì, dietro l’angolo, basta lavorarci su. (6,5)

Falling Stacks – No Wives (Battle Worldwide, 2015)

BATTLE023_750x750Quando ti vengono in mente nomi quali Fugazi, The Ex, Minutemen, NoMeansNo, The Fall, Shellac, Wire, Unwound e quello che esce dalle casse sta picchiando così duro che ti costringe a sfanculare i suddetti nomi e a concentrarti sull’ascolto, allora significa che qualcosa è andato maledettamente bene. E quel qualcosa, nella fattispecie, è No Wives, esordio lungo di un misconosciuto trio di Bristol che risponde al nome di Falling Stacks (dei quali non so niente a parte questo). Un disco che ha la consistenza e l’insolenza di una legnata secca e ben assestata.

Irrequieto e manesco, intelligente e rabbioso, rumoroso e cervellotico, grezzo in produzione e preciso nell’esecuzione (live, è evidente), No Wives è il tipico disco che vale un’intera carriera di uno qualsiasi di quegli stramaledetti gruppi post-punk e indie rock che hanno infestato l’aere in questi ultimi quindici anni (nominateli voi che non ne ho voglia).

Un disco fieramente indipendente e poco incline ai compromessi, ruvido come carta abrasiva e scuro come una notte senza luna, pericoloso e sinceramente impresentabile (e perciò grande, immenso) in epoca di indie rock pulito carino e orecchiabile e buono a un cazzo.

Dal punto di vista strettamente musicale l’esordio del trio è un tripudio di tempi dispari e ritmiche sghembe (Silverware), linee di basso robuste e sinuose (No Stops, Los Ticos, la stessa Silverware), chitarre glaciali, imprevedibili e taglienti; una folle collezione di attacchi e ritirate, sfuriate cariche di rumore e momenti di sospensione/distensione (Double Skull su tutte), danze schizoidi e bastonate (post)hardcore (Pool Party, Dust Motes). Il cantante urla come un indemoniato dal fondo di una cantina, riuscendo appena ad emergere dal clangore degli strumenti eppur lasciando il proprio segno evidente nelle orecchie dell’ascoltatore.

No Wives non è un disco facile, ma è di quelli che merita ripetuti et infiniti ascolti e che li vale tutti. Per me, senza alcun dubbio, è il disco dell’anno (9).

qui sotto in streaming intregrale (e potete acquistarlo qui):

La collezione primavera-estate di Loud Notes – seconda parte

E con questa chiudo la serie di note (chiamarle recensioni mi pare eccessivo) sugli ascolti della lunga stagione calda, quella stagione che quest’anno ci ha rifilato – o mio dio – un bel po’ di caldo mediterraneo e – (spazio da completare a piacere) – lo spettacolo indecente di un’europa (europa in questo caso vuole la minuscola) chiusa a fortezza contro l’umanità che scappa dalle sue guerre (o dalle crisi che non sa gestire), impegnata a costruire muri, sostenere dittatorucoli da due soldi o a fiaccare governi timidamente riformisti. Un’europa alla quale posso solo augurare la disintegrazione (e a noi di contribuire a farne macerie), e dedicarle il pezzo dei Mutants che trovate linkato qualche riga più giù.

(invettiva chiusa, vai con la musica)

(la prima parte della collezione la trovate qui)

Miles Davis – Sorcerer (Columbia, 1967; Mobile Fidelity, 2015): un grande album che scopro solo ora (proprio ora, mentre scrivo) grazie alla recente ristampa della Mobile Fidelity Sound Lab. Un disco sfumato, rilassato e celebrale, compagno ideale delle insonnie più pervicaci. La title-track, composta da Herbie Hancock, è un capolavoro.

Movie Star Junkies – Your Pretty Fangs EP (Wild Honey, 2015): di sole tre tracce (di cui una cover, la bellissima Plain Gold Ring di Nina Simone, e una nuova versione di un vecchio pezzo, Baltimore) è composto il nuovo dei MSJ, ma tante bastano a far vibrare casse e cuore e a far digrignare i denti. Qui l’inedito, un feroce attacco blues-punk da manuale. Il prodotto è una figata e si acquista qui.

The Mutants – New Dark Ages 7″ (415 Records, 1980): i Mutants sono una banda art-punk di Frisco attiva tra il 1977 e il 1986, usciti fuori dal “vivaio” del San Francisco Art Institute (la stessa scuola d’arte che cacò gli Avengers, per dire). Animali da palco più che da studio, il settetto ha inciso una manciata di singoli e un album (Fun Terminal, 1982), e questo 7 pollici è senz’altro il loro miglior lascito. We’re living/in the new dark ages!

Thee Oh Sees – Mutilator Defeated At Last (Castle Face, 2015): il ritorno degli Oh Sees dopo il finto scioglimento e il medio(cre) Drop  (2014) è un grandissimo disco, probabilmente uno dei migliori della band di John Dwyer: un riuscitissimo minestrone di sperimentalismi, psichedelia tripposissima, weird garage e riffoni pesanti.

The Old Firm Casuals – This Means War (Oi! the Boat, 2014): un’altra band punk-Oi!-hardcore guidata da Lars Fredericksen (Rancid), e ho già detto quasi tutto. Aggiungerei solo che non sono affatto male (fors’anche meglio dei Bastards e senz’altro meglio degli ultimi Rancid) e stop, perché mi pesano le parole a straparlare di Oi!. Vi lascio con questa.

Peawees – 20 Years and You Still Don’t Know Me (Wild Honey, 2015): se ancora non li conoscete sappiate che vi siete persi una parte importante della storia recente del rock’n’roll e del punk italico. Poi fate vobis, ma io un’ascoltatina gliela darei.

Poet and The Roots – Dread Beat and Blood (Front Line, 1978): la prima escrezione artistica del pioniere della dub-poetry, il poeta marxista Linton Kwesi Johnson. Qua dentro c’è già tutto – già adulto, incazzato e in forma smagliante – quello che verrà perfezionato in album storici come Forces of Victory (1979) e Bass Culture (1980).

The Pretty Things – S.F. Sorrow (Columbia, 1968): il disco maturo dei Pretty Things, un capolavoro psichedelico che si merita di ascendere all’olimpo delle opere rock insieme a Tommy degli Who e ad Arthur dei Kinks. Tanti i pezzi memorabili, troppi. Vi linko Old Man Going, traccia dal tiro heavy-psych sulla quale hanno studiato in tanti.

Radioactivity – Silent Kill (Dirtnap, 2105): datemi un disco come Silent Kill ogni volta che devo rappacificarmi col mondo. Riff, melodie e vaffanculo.

Rancid – …And Out Come The Wolves (Epitaph, 1995): questo cazzodicapolavoro ha compiuto vent’anni lo scorso 22 agosto e tanto è bastato, al sottoscritto, per decidere di infilarlo nello stereo della macchina e mandarlo a manetta come fosse il cazzo di 1995; come se stessi sfrecciando sull’autostrada che mi riporta a Olympia.

Refused – Freedom (Epitaph, 2015): suona peggio dell’ultimo disco dei Therapy?. È gravissimo!

The Ruts – The Peel Sessions Album (Strange Fruit, 1990): contiene le Peel Sessions registrate tra il gennaio 1979 e il febbraio 1980, alcune delle quali erano già finite su un EP pubblicato dalla stessa etichetta nel 1986. Tutto postumo, dunque, pubblicato a cose (stra)fatte, con Malcom Owen nella tomba da un bel po’ (l’eroina se lo trascinò via il 14 luglio 1980) e pure i Ruts D.C. (un’altra storia) già passati sotto i ponti. E quindi ‘sta cosa è una specie di best of. E pure una dimostrazione delle potenza “live” della band; e dell’acume visionario di John Peel. E quindi è necessaria.

The Stones – Three Blind Mice (Flying Nun, 2015): gruppo post-punk neozelandese formatosi e bruciatosi nell’arco di due anni, tra il 1982 e il 1983, durante i quali fece in tempo a incidere appena dieci pezzi: quattro finirono nell’influente EP compilation Dunedin Double (1982) cinque nell’EP Another Disc Another Dollar (1983) e uno – live – sulla compilation The Last Rumba (1983; tutto rigorosamente su Flying Nun). Erano autori di un post-punk scazzato ma solare, ruvido, teatrale e profondamente pop (in bassa fedeltà). Questa fantastica retrospettiva raccoglie tutto l’inciso più qualche traccia live. Consigliatissima.

Vibravoid – Void Vibration (Nasoni, 2001): uno dei pezzi migliori dello sconfinato catalogo Vibravoid, maestri indiscussi del rock psichedelico/spaziale tedesco e europeo degli anni zero, gente che può persino vantare un album con Sky Saxon in CV (A Poetry of Love, 2010). Cominciate da qui.

Wand – Golem (In The Red, 2015): gli amichetti del Ty hanno tirato su i volumi, appesantito (ulteriormente) i riff e portato alle stelle il PH; mettici che son pure cresciuti in quanto a scrittura e arrangiamenti e ti ritrovi un secondo lavoro (ne sta arrivando un terzo, s’intitola 1000 Days e uscirà il 25 settembre su Drag City) energico bellicoso e incredibilmente scivoloso, che lo metti e sbam, ciao ciao.

White Hills – Walks for Motorists (Thrill Jockey, 2015): il duo delle meraviglie motorik-space sterza pesantemente a destra, imbarca oscurità, immediatezza e groove e abbandona (un pochino eh, non esageriamo) l’attitudine da jam band. E ne esce Walks for Motorists, una roba che suona pure un sacco Vibravoid (vedi sopra), a voler essere onesti. C’ho messo un po’ per capire se erano meglio prima o adesso, perché l’immediatezza e il groove colpiscono e ci entri subito in sintonia; poi però alla lunga stancano. Non boccio, ma torno ad ascoltarmi So You Are…So You’ll Be (2013).

Wire – Wire (Pinkflag, 2015): l’ultimo degli Wire è un classico album degli Wire. E infatti s’intitola Wire. Epperò non gli manca niente perché agli Wire non manca davvero niente, son capaci di attorcigliarsi attorno al loro minimalismo o sfornare un classicone noise-pop senza batter ciglio.

La collezione primavera-estate di Loud Notes – prima parte

Inizio a sporcare le pagine del nuovo Loud Notes con i dischi (recentissimi, recenti, o tremendamente vecchi) che hanno allietato e/o afflitto questi lunghi mesi di lavoro editoriale.

AA.VV. – The Best of Studio One (Heartbeat, 2006): ho ascoltato un casino di reggae quest’estate (un po’ come tutte le estati), e questo è stato uno dei cosi che ha girato di più sul coso. Una compilation bellissima, calda e appassionata, un monumento al roots reggae. Ascolta.

Ancient Sky – Mosaic (Wharf Cat, 2015): zitti zitti, dopo tre album niente male, gli Ancient Sky hanno sfornato il discone. La roba è sempre quella, heavy-psych dalle tendenze spaziali, ma stavolta hanno lasciato a casa i pipponi strumentali, hanno chiamato un produttore bravo (Ben Greenberg, do you know him?) e l’intensità di questi mantra psichedelici è schizzata alle stelle. Bravi.

Black Uhuru – Sinsemilla (Mango/Universal, 1980): ancora reggae. Uno dei dischi capolavoro degli Uhuru di Michael Rose, con Sly & Robbie che si divertono un mondo davanti e dietro il mixer.

The Congos – Heart of the Congos (Black Art, 1977): capolavoro assoluto del roots reggae, un’estasi di linee vocali che si incrociano perfettamente sugli arrangiamenti psichedelici di quel geniaccio di Lee Perry. Assaggino.

Crime – Hot Wire My Heart/Baby You’re So Repulsive 7″ (Crime, 1976): classico anthem del primo punk di Frisco inciso sul lato A (coverizzato nientemeno che dai Sonic Youth su uno dei loro capolavori degli anni ’80, Sister): una roba che, se amate il punk, dovete conoscere come le unghie del vostro piede sinistro.

David Bowie – Low (RCA, 1977): e qui che cazzo scrivo in tre righe? Insomma, lo conoscete no?

The Ex – Dizzy Spells (Touch & Go/Vicious Circle/Ex, 2001): e che ve lo dico a fare?

Faith No More – Sol Invictus (Reclamation, 2015): ero scettico, lo ammetto. E invece alla fine il ritorno dei Faith No More mi ha convinto. Mica che siamo ai livelli dei primi anni ’90, pro caridade, però i tiponi sembrano sapere ancora il fatto loro, e si sono saputi reinventare alla soglia dell’anzianità. Non male davvero.

The Feelies – Crazy Rhythms (Stiff, 1980): un disco che avevo ascoltato distrattamente tanto tempo fa e che per fortuna ho deciso di riprendere in mano. L’esordio dei Feelies è un doppio concentrato di genialità art-pop e new wave condita da una generosa spruzzata di ritmiche nervose e a tratti tribali. Interessanti le cover di Beatles (Everybody’s Got Something To Hide Except Me and My Monkey) e Rolling Stones (Paint It Black).

Getatchew Mekuria & The Ex – Moe Anbessa (Terp, 2006): un incontro davvero fortunato quello tra il vecchio jazzista etiope e il collettivo post-punk olandese. Fortunato per loro e per noi, che ci becchiamo un album stupendo, che regala assalti jazz-punk e sinuose suite african-jazz senza farsi mai pregare.

High On Fire – Luminiferous (eOne, 2015): ecco, secondo me il metal dovrebbe suonare così.

The Jam – About The Young Idea, The Very Best of The Jam (Polydor, 2015): «Absolutely, categorically, fucking NO», risponde Weller a chi gli chiede della possibilità di una reunion dei Jam. “The young idea”, entienden?

Julian Cope – Trip Advizer: The Very Best of Julian Cope 1999-2014 (Lord Yatesbury, 2015): la compila degli ultimi quindici anni di elucubrazioni rivoluzionario-psichedeliche dell’irraggiungibile Reverendo Cope.

King Gizzard & The Lizard Wizard – Quarters! (Flightless/Castle Face, 2015): la band con il nome più stronzo di tutti i nomi stronzi. Prolifica quanto un incrocio tra Frank Zappa e Ty Segall (viaggiano a un ritmo di 2 album all’anno da circa 3 anni; prossimamente nelle vostre casse Paper Mache Dream Balloon). Disco assurdo, questo Quarters!, composto da 4 pezzi lunghi 10 minuti e 10 secondi all’uno (non vi sto prendendo per il culo) e neanche uno che sembri tirato per i capelli.

The King Khan & The BBQ Show – Bad News Boys (In The Red, 2015): l’album più divertente nel 2015, potete scommetterci la vostra stracazzo di famiglia tradizionale. Ecco.

The Last Killers – Dangerous (Closer, 2015): se facciamo finta che Cookin Inside non sia una copiascopiazzata di Touch Me I’m Sick dei Mudhoney (tanto valeva fare la cover no?) beh, è un bel dischetto di adrenalina punk’n’roll. Anyway, lo trovate in streaming qui.

Leatherface – Razor Blades and Aspirins: 1990-1993 (Fire, 2015): se vi siete fatti sfuggire questa grande punk rock band degli anni ’90, questa bella compilation è il modo giusto per rimediare.

Mark Lanegan – Houston: Publishing Demos 2002 (Ipecac, 2015): tralasciando il pippone su quanto sia bella e profonda ed espressiva la voce di zio Mark, vado dritto al punto e vi dico che questo è il miglior materiale a nome Lanegan dai tempi di Bubblegum (2004), una roba che riesce ad asfaltare senza tanta fatica uno qualsiasi dei vostri crooner preferiti degli ultimi anni. Un discone da avere e consumare.

Metz – II (Sub Pop, 2015): altro inflessibile assalto all’arma bianca per il combo canadese, promessa vivente del noise rock mondiale. Niente di nuovo rispetto all’esordio, ma è roba che prende a calci nel culo e fa saltare dalla sedia. Quindi necessaria.